Cele mai bune 10 filme din cinematografe

Cinematografele s-au intors oficial. Pe masura ce ofertele cinematografice revin incet pe marele ecran in comparatie cu serviciile de streaming si cu diversi retaileri de inchiriere digitale, suntem aici pentru a stabili care este de fapt cel mai bun profit pentru dvs. la box office. Desigur, foloseste-ti rationamentul atunci cand alegi daca sa te intorci sau nu la filme, dar exista un procent din ce in ce mai mare de cinefili care revin in fata marelui ecran. 

Lucrurile in distributia in cinematografe sunt putin ciudate acum, asa ca in afara de unele succese recente, exista o combinatie de castigatori de Oscar, lansari persistente, indie si clasice rezervate – in functie, desigur, de teatru. Dar, din fericire, au fost destule filme bune lansate recent anul acesta, incat nu ar trebui sa aveti nicio problema sa gasiti ceva grozav de urmarit.

Vezi acum cele mai bune 10 filme din cinematografe:

---

10. Originea

Data lansarii: 19 ianuarie 2024
Regia: Ava DuVernay
Vedete: Aunjanue Ellis-Taylor, Jon Bernthal, Vera Farmiga, Audra McDonald, Niecy Nash-Betts, Nick Offerman, Blair Underwood
Evaluare: PG-13
Durata: 141 minute

In Origin , scriitoarea/regizoarea Ava DuVernay abordeaza inca o data teme complexe despre nedreptatea sociala, punand intrebarea: Cum ne confruntam cu opresiunea? Pentru a gasi raspunsul, DuVernay pune in centrul atentiei autoarea de non-fictiune Isabel Wilkerson, subiectul influent al unei relatari indraznete si galvanizante despre radacinile interconectate ale urii. Origin relateaza cercetarile si experientele de viata ale Wilkerson, castigatoare a lui Pulitzer, care i-au inspirat bestseller-ul carte Caste: The Origins of Our Discontents . Filmul il urmareste pe Wilkerson (Aunjanue Ellis-Taylor) in timp ce o serie de evenimente politice si personale o conduc in expeditii in Germania si India pentru a explora conceptul de casta - un sistem de stratificare care imparte societatea intr-o serie de ierarhii bazate pe identitate. Uciderea lui Trayvon Martin pune in miscare cercetarea lui Wilkerson, starnindu-i investigatia despre modul in care rasismul sistemic din America se leaga de sistemele opresive din intreaga lume. La fel ca subiectul sau, Origin adopta o lentila jurnalistica, petrecand mai putin timp construind propria naratiune a lui Wilkerson si, in schimb, lasand inspiratiile ei istorice sa vorbeasca de la sine. Filmul ofera exemple informative de sisteme de caste de-a lungul istoriei si indivizii care le-au sfidat: un cuplu vizat de legile rasiale de la Nurnberg in Germania nazista, antropologii de culoare Elizabeth si Allison Davis, care au co-scris lucrarea revolutionara Deep South: A Social Anthropological Study of Caste and Class in 1941 si BR Ambedkar, un indian nascut in casta Dalit – cea mai inferioara casta a Indiei – care, in ciuda adversitatii cu care sa confruntat, a redactat Constitutia Indiei. DuVernay da dovada de versatilitate creativa in aceste secvente intretesute, construind mize si personaje intrigante in aceste viniete bine concepute si complet detaliate. Cu costume impresionante si detalii scenice, aceste povesti trecatoare si sentimentale ilustreaza plin de culoare naratiunea trecutului lui Wilkerson. Printre numeroasele cronologie si tragedii pe care le conduce filmul, timpul petrecut de Origin explorand familia si viata personala a lui Wilkerson asigura o ancora emotionala, divulgand procesul dificil de revizuire a istoriei, mai ales atunci cand cineva impartaseste o legatura cu aceasta. Viata lui Wilkerson, care se desfasoara tragic de-a lungul filmului, face ecou dorinta ei de a recita istoria si ne aminteste ca evenimentele trecutului traiesc in noi. Scrierea lui DuVernay si interpretarea subtila, dar plina de corp a lui Ellis-Taylor, culmineaza cu o protagonista calda si puternica, legata de munca ei, in timp ce ia in calcul durerea istoriei si propriile pierderi. DuVernay a documentat deja istoria cu proiecte precum Selma si 13th , dar Origineste cea mai indrazneata isprava de pana acum. Acest tribut adus lui Wilkerson insufla importanta punerii sub semnul intrebarii a sistemelor opresive stabilite in trecut si a privirii in interior catre propriul nostru loc in cadrul acestor sisteme. – Inteleptul Dunlap

---

9. Godzilla Minus One

Data lansarii: 24 noiembrie 2023
Regizor: Takashi Yamazaki
Vedete: Ryunosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yuki Yamada, Munetaka Aoki, Hidetaka Yoshioka, Sakura Ando, ​​Kuranosuke Sasaki
Evaluare: PG-13
Gen: Actiune, Sci-Fi

Big G revine intr-un mod absolut triumfator in Godzilla Minus One din 2023  , care se simte imediat ca cel mai direct corolar al lui  Gojira  pe care seria l-a produs vreodata, in timp ce modernizeaza atent atat de multe dintre elementele sale. Cu intelepciune, in ciuda trecerii la efectele CGI complete pentru a-l aduce la viata pe Godzilla, creatorii inca surprind miscarea lui rigida si dreapta asa cum a fost intotdeauna, ramasita fizica de a fi fost jucat de un barbat in costum. Rareori, totusi, masa totala   a monstrului a fost surprinsa atat de viu si terifiant ca aici, in timp ce privim sectiuni intregi ale drumului care se catarameaza si sariti in aer dupa fiecare dintre pasii lui tunsoare – ca sa nu mai vorbim de incredibilul spectacol distructiv al suflul lui atomic. Acest Godzilla este cu adevarat terifiant, o fiara dezlantuita, fara un gram de mila sau noblete fata de el. Acest lucru are ca rezultat, de asemenea, situatia ciudata in care ne gasim cu adevarat inradacinarea ca personajele umane sa-l invinga si sa-l invinga pe Godzilla o data, o stare de spirit rara pentru seria Godzilla, care este imputernicita de  simpaticul protagonist al lui Minus One , Kōichi Shikishima, un barbat. incercand cu disperare sa gaseasca fie un motiv de a trai, fie curajul de a muri in urma ororilor celui de-al doilea razboi mondial. El este inconjurat de cetateni japonezi din sarea pamantului, care se unesc pentru a depasi un obstacol care pare cu adevarat imposibil, cu o descriere neasteptat de plina de speranta a ingeniozitatii umane si a abnegatiei. Un film de kaiju absolut remarcabil in general si unul dintre putinele care au facut vreodata cu succes personajele umane un centru eficient al actiunii. – Jim Vorel

Te-ar putea interesa si: Cele mai frumoase locatii din „Game of Thrones”

---

8. Poze cu fantome

Data lansarii: 26 ianuarie 2024
Regizor: Kleber Mendonca Filho
Evaluare: NR
Durata: 91 minute

Un eseu personal bun, atat de bine incorporat in experientele autorului, tinde sa necesite o perspectiva sau un context exterioara ampla pentru a le oferi cititorilor un motiv mai puternic sa le pese. Pictures of Ghosts , noul documentar al regizorului Kleber Mendonca Filho, incepe cu experiente personale: cresterea sa in Recife, capitala statului brazilian Pernambuco, amintirile despre mama sa si despre ceea ce a fost orasul fata de ceea ce a devenit de-a lungul celor 55 de ani. . Esti iertat ca ai presupus ca Filho este propriul sau subiect. El este, pana la urma, inceputul filmului si, fara el, nu exista poveste de spus. Dar fara ciclul de dezvoltare si declin al lui Recife si fara o cultura prietenoasa odata cu cinematografele de arta, nici Filho nu ar exista. Prin anecdotele sale povestite ironic, el devine un canal pentru o poveste mai ampla. Pictures of Ghosts este despre el si, in asa fel, este vorba si despre procesul prin care orasele sunt aduse neintentionat sa se deterioreze prin modernizare. Si intre aceste doua axe, este vorba si despre durerile in crestere ale Braziliei din anii 1960 pana in anii 2020. Filho este auto-reflexiv, nu este obsedat de sine, iar pozitia sa clara este cruciala pentru anti-vanitatea pe care o aduce examinarii casei din copilarie si obsesiei tineretii. Vizionarea relatarii lui Filho despre acest dezastru gradual ar putea inspira ganduri despre streaming, desi conceptul ramane departe de Pictures of Ghosts in sine. Filho nu este un calator in timp, iar cei care conduc platformele digitale care au influentat modul in care sunt facute si vazute filmele in ultimul deceniu nu sunt. Dar istoria lui Recife este legata de aceste cinematografe, iar intoarcerea de la ele are consecinte. De exemplu, a scapa de Art Palacio inseamna stergerea memoriei despre modul in care regimul nazist a desemnat locul ca un punct de desfacere Universum-Film AG, menit ca o extensie a masinii lor de cinematograf de propaganda, amplasata in sanul simpatic al Braziliei. Nu conteaza zilele de glorie stralucitoare ale lui Recife, impodobite de vizitele lui Janet Leigh si Tony Curtis; relatia orasului cu al Treilea Reich nu poate fi lasata sa se estompeze din evidenta publica. Intr-un fel, acest lucru face ca Pictures of Ghosts sa fie spectacolul lui Filho pana la urma; el indeplineste indatoririle de conservator, folosind o combinatie de filmari de arhiva, filmari video de familie si propriile sale filme (inclusiv clipuri din primul sau lungmetraj, Neighboring Sounds ) pentru a sculpta intreaga imagine a Recifei, de acum o jumatate de secol si pana astazi. , veruci si toate. Filho nu pare interesat sa refaca Recife pentru a se potrivi cu propria sa imagine el locuieste acolo si cam atat. Filho este afectat de schimbarile din Recife. Nu el este cel care ii afecteaza. In schimb, el se asigura ca nu vor fi uitati.– Andy Crump

---

7. In interiorul cochiliei galbene de cocon

A avea un copil schimba irevocabil viata unei persoane, iar acele schimbari sunt dublate atunci cand copilul ajunge orfan de tragedie. Doua vieti in flux, iar noul parinte este responsabil pentru pastorirea unui mic prin durere formativa, pe langa indatoririle traditionale de parinte. Dar Thiện (Le Phong Vũ), protagonistul laconic al primului lungmetraj al lui Phạm Thien An,  Inside the Yellow Cocoon Shell , gestioneaza aceasta incarcare brusca cu usurinta relaxata, de parca fiecare experienta a lui l-ar fi pregatit pentru situatia surorii sale. -moartea lui Law si custodia ulterioara a nepotului sau, Dạo (Nguyễn Thịnh). Majoritatea oamenilor ar fi zguduiti de aceste evenimente. Thiện se ridica la inaltime cu o nonsalanta supranaturala. Confortul lui cu aceasta incredere solemna nu este in niciun caz cea mai fantastica calitate a filmului. An calca pe urmele marilor cinematograf lent, in special Tsai Ming-liang, Edward Yang si Apichatpong Weerasethakul, atat in ​​ceea ce priveste petrecerea timpului sau dulce, permitand  povestii lui Inside the Yellow Cocoon Shell sa respire, cat si in ceea ce priveste aplicarea judicioasa. pensule suprarealiste la o estetica care se limiteaza la neorealist. Compozitiile statice ofera structura digresiunilor hipnagogice ale lui An; Exista o formalitate rigida in mare parte a filmului de aici, si din asta decurge o mana de secvente languide care cocheteaza cu alte lumesti. An ascunde prezenta lui Dumnezeu in lume printr-un film meticulos si atent. Aceasta este probabil intentia din spatele  combinatiei Inside the Yellow Cocoon Shell de capturi lungi si cadre fixe: sa forteze publicul sa se uite la fiecare imagine minute in sir, de parca s-ar uita la un  Where's Waldo? carte, pieptanand pentru dovada Alfa si Omega in luminile de neon din Saigon si betonul nesimtit, sau junglele verzi pline de viata. A doua jumatate a filmului il urmareste pe Thiện pe drumul pentru a-si gasi fratele instrainat, iar daca o excursie de trei ore prin Vietnam in cautarea credintei si a familiei suna ca o provocare de netrecut,  Inside the Yellow Cocoon Shell  este orice altceva. Este o calatorie plina de placeri pe care le putem aprecia cu totii si acoperita de intrebari pe care le punem cu totii. – Andy Crump

Te-ar putea interesa si: 22 de cele mai bune filme de groaza de vizionat in timpul liber

---

6. Ferrari

Cei mai obisnuiti apreciatori ai regizorului Michael Mann s-ar fi putut, in mod inteles, sa se fi intrebat daca acesta a fost permanent blocat intr-o etapa tarzie a carierei sale doar pentru Mannheads. Dar nu trebuie sa fii un apolog Blackhat pentru a vibra cu Ferrari ; de fapt, unii dintre cei mai devotati adepti ai sai s-ar putea decolora din cauza lipsei de oportunitati punctate cu neon pentru vizionarea pura a peisajului urban. Din punct de vedere structural, Ferrari este mai aproape de un biopic comprimat in stilul Aaron Sorkin, urmarindu-l pe celebrul producator auto italian (Adam Driver) intr-o perioada de criza personala si profesionala. Amanta lui Lina (Shailene Woodley) vrea ca el sa-si revendice fiul cu numele sau celebru; facand acest lucru ar risca mania puternicei sale sotii Laura (Penelope Cruz), de care are nevoie pentru a-si tine compania de faliment. In mijlocul tuturor acestor lucruri, el isi poate asigura viitorul ca producator de masini de curse daca echipa sa triumfa la o cursa de cross-country majora (si periculoasa). Mann, lucrand intr-un mod mai clasic decat experimentele sale de avansare digitala, transcende cultura din acest an de cinema-plan de afaceri cu nume de marca ca protagonist, transformandu-l pe Enzo Ferrari intr-unul dintre cautatorii sai bantuiti si taciturni de control, juxtapunand libertatea drumul cu limitarile sale tehnologice (si personificandu-l cu artistul-creator al masinilor). Soferul, conducand prin reflectie plina de suflet si umor neintrerupt, se dovedeste fidel numelui sau. – Jesse Hassenger

---

5. Totem 

Data lansarii: 26 ianuarie 2024
Regizor: Lila Aviles
Vedete: Naima Senties, Juan Francisco Maldonado, Montserrat Maranon, Marisol Gase, Saori Gurza
Evaluare: NR
Durata: 95 minute

Sol (Naima Senties), fetita din centrul  Totem al Lilei Aviles , este obsedata de gandacii si pasarile care se intind pe proprietatea familiei sale. Ea ii cauta ca pe niste colegi rataciti, prinsi pe marginea actiunii. La fel ca ei, ea se furiseaza prin camerele prafuite si se tranteste pe cimentul copt la soare – ignorata de adulti si evidentiata de camera curioasa.  Totem ii urmareste pe Sol si pe tatal ei Napo (Juan Francisco Maldonado), care este bolnav in faza terminala si sarbatoreste ceea ce probabil va fi ultima lui zi de nastere. Detaliile acestei boli aluneca in obscuritate, colorate de ignoranta adecvata varstei protagonistului nostru. Aviles este mai preocupata de forma si sunetul copilariei, iar de-a lungul celor 95 de minute (care acopera o seara din viata acestei distributii dezbinate), ea ofera o abordare nuantata a disparitatii si complicatiilor de a fi tanar intr-o lume construita pentru a amplifica. probleme ale adultilor. Casa lor este plina de miscare si actiune, agitata cu viata umana si (mentionata mai sus) non-umana. Aviles aproape trateaza acest decor ca pe o provocare, disperat sa gaseasca modalitati de a explora interioritatea fiecarui personaj in mijlocul haosului. Este o dovada a priceperii regizorului ca perspectiva lui Sol este pretuita mai presus de toate. Curiozitatea ei cu ochii mari se revarsa de pe ecran, misterul functionarii interioare a familiei reflectandu-se in expresiile ei ganditoare. In interpretarea profund simtita a lui Senties, Aviles desface intrebarile incurcate ale filmului: Ce isi amintesc adultii despre a fi copil? Ce uita ei? Care dintre aceste amintiri uitate pot fi reaccesate? Cel mai important, ce elemente ale maturitatii sunt de inteles copiilor care ratacesc, evitand cu nefericire bombele interpersonale care ameninta sa destabilizaze totul? Raspunsurile sunt evazive, se intind amenintator in fundal, iar  Totem strabate acest labirint prin ochii acestor personaje, a caror viziune este ingustata de o durere apasatoare. O astfel de succesiune de imagini se rupe din cronologia realista si condensata a lui  Totem pentru a oferi o expresie poetica a pierderii. – Anna McKibbin

Te-ar putea interesa si: Cele mai bune filme de drama din 2021

---

4. Inshallah un baiat

Inshallah a Boy are o banalitate linistita. In putin mai putin de doua ore, filmul spune povestea lui Nawal (Mouna Hawa), o lucratoare de sprijin personal in varsta de 30 de ani, a carei viata este rasturnata de moartea subita a sotului ei. La inceput, ea trebuie sa faca fata durerii de a-si pierde sotul si de a avea grija de fiica ei mica. Dar apoi cumnatul ei Rifqi (Haitham Omari) incepe sa ceara plati pentru banii care ii sunt datorati. Conform obiceiului local, el poate revendica casa lui Nawal si poate prelua tutela fiicei ei. Singura solutie a lui Nawal este un mostenitor de sex masculin. Pentru a-si tine cumnatul la distanta, ea pretinde ca este insarcinata. Pe parcursul a trei saptamani, Nawal se confrunta cu o provocare dupa alta in timp ce lupta pentru a detine ceea ce ii apartine de drept si pentru a-si proteja fiica. Din cadrul de deschidere, cineastul iordanian Amjad Al Rasheed, care a scris si filmul impreuna cu Rula Nasser si Delphine Agut, ne atrage in absurditatile vietii lui Nawal. Inshallah a Boy se deschide cu ea incercand sa recupereze un sutien ratacit care a ajuns cumva sa atarne de un fir electric in afara balconului ei inchis. Incearca sa ajunga la el cu un maner de matura, cu o frustrare linistita gravata pe fata. Orice femeie care a crescut intr-un oras aglomerat din sudul global, unde spatiile publice rareori se simt confortabile sau sigure pentru femei, se va raporta la situatia dificila a lui Nawal. Lenjeria nu este niciodata menita sa fie vazuta, chiar si ca o simpla imbracaminte – uitati de conceptul de aerisire a rufelor murdare. De-a lungul  Inshallah a Boy , avem un sentiment al fortei lui Nawal, care atinge mai multe puncte de rupere, pe masura ce circumstantele continua sa-i testeze credinta – in religia ei, familia ei, casnicia ei si, in cele din urma, ea insasi. Actrita palestiniana Hawa straluceste in rolul lui Nawal si este asistata cu pricepere de o distributie secundara in portretizarea ei a unei vaduve care uneori abia se apuca de paie. Exista o oboseala traita in care Hawa exploateaza; versiunea ei despre Nawal nu este niciodata tulburata si nici infuriata – desi are fulgerari de izbucniri. Pur si simplu nu are luxul. Modul in care Hawa este capabila sa articuleze momentul de criza personala al lui Nawal, in privirea furisa pe care o da cumnatei sale sau exasperarea pe care o rezerva pentru propriul ei frate, face o performanta laudabila. Inshallah a Boy  nu da niciun raspuns clar. In schimb, filmul ofera o privire asupra vietii unei femei obisnuite din Iordania, trecand printr-un calvar cu care probabil se confrunta multi ca ea. Intr-un interviu, Al Rashad a vorbit ca a fost inspirat de un incident din viata reala din propria familie. O ruda se afla intr-o situatie similara cu Nawal si s-a intrebat: „Daca ea spune nu? Daca ea decide sa lupte si care sunt optiunile ei?” Este remarcabil cum acea ancheta l-a determinat pe Al Rashad sa scrie si sa regizeze o drama atat de captivanta despre limitele si eliberarile credintei – Aparita Bhandari

---

3. Noi toti strainii

In  All of Us Strangers , Haigh clarifica faptul ca singuratatea nu trebuie sa se limiteze la peisaje dezolante din punct de vedere fizic. Solitarul si melancolic Adam (Andrew Scott) pare destul de instarit, desi ii insista vecinului sau Harry (Paul Mescal) ca nu este un tip de scriitor deosebit de bogat sau faimos. Totusi, isi poate permite un apartament dragut intr-un bloc din Londra, unde, totusi, se simte indepartat de lume. Pentru moment, el si Harry par a fi singurii chiriasi din noua cladire, iar slujba lui Adam ii ofera posibilitatea de a-si petrece zilele acasa, singur. El il intalneste pe Harry doar cand barbatul mai tanar ii bate la usa intr-o stupoare cocheta si beata, presupunand (in mod corect) ca si Adam este gay. Adam lucreaza la un scenariu inspirat din anii copilariei, ceea ce il face sa se gandeasca la un motiv probabil care a contribuit la singuratatea lui: ambii sai parinti au murit intr-un accident de masina cand el avea doar 12 ani. Cautand sa reia legatura cu radacinile sale, Adam este atras inapoi. in cartierul sau vechi, la o calatorie cu trenul departe de Londra, si este surprins, dar nu tocmai socat de ceea ce gaseste in cele din urma: tatal lui (Jamie Bell) si mama (Claire Foy), care locuiesc in vechea lor casa, asa cum isi aminteste el. . El este constient de ciudatenie, la fel si parintii sai; ei inteleg ca nu au fost cu Adam in toti acesti ani si ca timpul lor reinnoit cu el poate fi limitat si poate disparea in orice moment. Familia reunita incearca sa nu se concentreze asupra acestui lucru, ci in schimb sa bea ceai si sa ajunga din urma cu viata de adult a lui Adam. Parintii lui sunt fantome? Amintiri transpuse? Halucinatii generate cu un calm si o rationalitate neobisnuita? Haigh, adaptand un roman din 1987 care tocmai se numeste  Straini , nu se angajeaza la o explicatie anume – chiar si atunci cand pare ca poate ca a facut-o. Totusi  , All of Us Strangers  nu are calitatea apoasa si uimitoare a tulpinilor mai pretioase ale realismului magic. In felul sau, este atat de clar si de direct pe cat trebuie sa fie. Spectacolele sunt de remarcat perfecte, deoarece trebuie sa fie cu o distributie atat de mica. Cu toata inima sa deschisa,  All of Us Strangers  nu se ridica usor. Filmul sugereaza ca singuratatea, izolarea sau ostracizarea – fie ca sunt create de circumstante sau de intoleranta – nu se vindeca ca ranile fizice normale si ca tot timpul din lume dat acestui proces nu s-ar simti neaparat suficient. O multime de filme incearca sa reproduca experienta unui vis; acesta se situeaza chiar pe marginea, fie ca este extaziat, fie delir sau lovit, a trezirii. – Jesse Hassenger

---

2. Saracii lucruri

Poor Things  , imbracat in pastel, al lui Yorgos Lanthimos,  se deschide cu fotografii statice de broderie de matase. Este greu de stabilit imaginile in sine, inrudite atat de bine intr-un gri aproape identic. Dar textura alunecoasa si evaziva este parte integranta a filmului, care impleteste ceva gros si bogat in detalii. Ceea ce urmeaza este ingust in focalizare si mare si captivant in amploarea sa: povestea unei tinere femei care trebuie sa depaseasca experimentele puse in aplicare impotriva ei in timp ce isi imbratiseaza corpul in schimbare si indemnurile ireprimabile. Ca atare, aceasta adaptare a cartii cu acelasi nume a lui Alasdair Gray este dificil de rezumat, urmand-o vag pe Bella Baxter (Emma Stone) pe masura ce ea creste pentru a imbratisa varsta adulta, in ciuda tutelei dominatoare a tatalui ei, de facto, Dumnezeu (Willem Dafoe). Odata prezentata cu atragatorul si inflacaratul Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), Bella recunoaste capcanele vietii ei adapostite si se straduieste sa calatoreasca in jurul lumii, traind din nou viata inainte de a se casatori cu asistentul dulce si prost al tatalui ei, Max McCandles (Ramy Youssef). Aflat in prapastia genurilor dintre science-fiction si drama simpla,  Poor Things  gaseste, de asemenea, timp pentru a dezlantui abilitatea lui Stone de comedian fizic, construind un limbaj corporal lipicios si captivant, care traieste undeva intre entuziasmul nervos, copilaresc si cunoasterea mistica. Ea rataceste prin casa lor eclectica a familiei cu un mers instabil, izbindu-se de vitrinele de portelan atarnate delicat si chicotind mai degraba decat sa se inghesuie la distrugerea care urmeaza. Este o calatorie delicios de amorala, de genul care i-a asigurat deja ample laude lui Lanthimos de-a lungul carierei sale. Dar acesta este probabil cel mai strident si increzator efort al regizorului, folosind perspectiva naiva a Bellei pentru a proiecta o lume atat de intensa incat exista undeva intre cosmar si vis. In mod oarecum surprinzator,  Poor Things  se simte ca intr-o conversatie cu  Barbie a Gretei Gerwig , pana la fizicul robotic, asemanator unei papusi a lui Stone. Acolo unde  Barbie  se simte superficiala si tentativa in intelegerea sa a ceea ce inseamna sa cresti fizic,  Poor Things  este indrazneata si radical (uneori inconfortabil) sincera. Ii va multumi pe fanii lucrarii anterioare a lui Lanthimos si poate cuceri noi spectatori care sunt disperati sa se implice in genul de povesti despre maturitate care propulseaza genul inainte. — Anna McKibbin

Te-ar putea interesa si: Top 4 filme despre cazinouri care merită văzute. Adrenalină în lumea jocurilor de noroc

---

1. Baiatul si starcul

Romanul lui Genzaburo Yoshino din 1937 Cum traiesti? este o capsula a timpului, care pastreaza virtutile societatii in care a fost creata si vehiculata. Este vorba despre cum sa traiesti ca o persoana buna in aceasta lume, despre experienta copilariei de a descoperi diferenta, disparitatea si pierderea – si, astfel, de a te intoarce la filozofie. Influenta textului este evidenta in munca lui Miyazaki la Ghibli. In timp ce protagonistul celui mai recent film al sau, Mahito (Soma Santoki), este stilat in jurul copilariei lui Miyazaki, Miyazaki insusi apare asa cum este astazi mai direct in figura buniculului lui Mahito (Shōhei Hino), un barbat care a construit o biblioteca misterioasa pentru familie. mosie cu zeci de ani in urma inainte de a disparea pentru totdeauna in povestile lui. Baiatul si starcul , lansat in Japonia cu acelasi nume ca romanul lui Yoshino, devine o reamintire ferma a nevoii de a creste, dar una care recunoaste importanta experientelor efemere ale copilariei. Spre deosebire de cantecul semi-biografic al lebadei din 2013 al lui Miyazaki, The Wind Rises , cvasi-autobiograficul The Boy and the Heron este stilat drept Bildungsromanul fanteziei pentru care a devenit faimos – cu o inclinatie mai matura si mai nervoasa. Secventa de deschidere infatiseaza un bombardament incendiar din 1943, redat cu o animatie izbitoare care rupe complet cu stilul artistic al restului filmului, vizand in abstract. Mama bolnava a lui Mahito moare in flacari. Dupa aceea, tanarul de 12 ani se muta la tara, in timp ce tatal sau Shoichi (Takuya Kimura), un industrias care contribuie la efortul de razboi, se recasatoreste cu sora mai mica a raposatei sale mame, Natsuko (Yoshino Kimura). Spre deosebire de terenurile agricole bucolice ale Vecinului meu Totoro , care isi imagineaza un spatiu mai aproape de natura sau ramasitele unui trecut nostalgic din Spirited Away , care ii faciliteaza traversarea fantastica, impulsul calatoriei lui Mahito este un act de autovatamare. Spiritele il gasesc pe Mahito, febril si delirant, pe mosia rurala a familiei. Un starc cenusiu deosebit de urzic (Masaki Suda) il hartuieste pe baiat, atragandu-l spre locul calatoriei sale de maturizare. Ghidul lui de acum incolo este ingrijorat, fanteziile sunt patate de moarte si decadere. De aici, scenariul (trad. Don Brown) este poate cel mai bun al lui Miyazaki. Impartasindu-si schita cu toate aceste filme din trecut, Baiatul si starcul foloseste un mod narativ diferit: Miticul. Aceasta este o lume fantastica care se ocupa de arhetipuri in loc de istorie orientata de polemicile fascistilor si filozofilor. Totul este tratat cu o delicata ambivalenta, totul implicit, intentiile lasate ambigue. Este un text deschis care cere sa fie citit. Unii pot avea impresia ca filmul nu spune nimic, dar Baiatul si starculeste in cele din urma ceva mai durabil decat o edificare. Sintetizand virtutile pe care Yoshino le-a scris despre o Japonie dinainte de razboi, cu teroarea de a creste in imperiul ei in colaps, Miyazaki deseneaza lumea in intregime. De-a lungul deceniilor in care si-a perfectionat mestesugul si a repetat aceasta poveste familiara, Miyazaki a slefuit Baiatul si starcul intr-o forma platonica - genul detinut de unchiul filozof-povestitor al lui Mahito, care creeaza lumi intregi cu blocurile sale mici de piatra. A vedea Baiatul si Starcul inseamna sa-l vezi pe Miyazaki. Filmul este la fel de complicat ca si omul despre care este vorba si acesta este ceea ce face din Baiatul si starcul o capodopera. Il vad inca scriindu-si povestile, inca desenand avioanele.– Autumn Wright

---